Más allá del tiempo

Ficha técnica


Director: Robert Schwentke
Guionista: Bruce Joel Rubin
Música: Mychael Danna
Reparto: Rachel McAdams, Eric Banna, Ron Livingston, Jane McLean


y del amor

Los viajes en el tiempo siempre han sido un tema llamativo para el cine. Podemos encontralos en Atrapado en el tiempo, Regreso al futuro, El efecto mariposa o Frequency. El llegar a otros mundos, cambiarlo, comunicarnos con alguien del pasado o del futuro...siempre ha sido la base onírica, el sueño del ser humano que siempre nos acompañará.

Más allá del tiempo (The time traveller's wife) es la adaptación de la novela homónima de Audrey Niffenegger. La película narra la historia de un hombre, Henry, que experimenta apariciones y desapariciones involuntarias a través de distintos segmentos espaciotemporales.

Como punto de partida, la primera escena es bastante impactante: la muerte de la madre de Henry en un accidente de tráfico. Aquí es cuando experimenta su primer viaje siendo el espectador testigo de una estructura fílmica vertiginosa y compleja.

El protagonista siempre aparece en los mismos lugares, sin ropa, lo que le hace tener numerosos problemas cada vez que viaja. Sin embargo, estos viajes tan inoportunos les llevarán a conocer a la mujer de su vida, una mujer que conoce desde niña en un prado. Desde ese momento Claire y Henry sienten que el destino los unirá para siempre a pesar de la cronoinestabilidad de él.

La interpretación de los actores hace estremecer al público. El estilo y la elegancia con el que trata un tema para muchos absurdo, la convierte en una aclamada alternativa en el que el cine, rodeado últimamente de excesivo realismo, ha perdido la esencia de la magia.

Los colores verdes y cálidos predominan en las escenas del prado, especialmente en la escena final, con una resolución que muy pocos guiones son capaces de manifestar.

Estos colores se sobreexponen con la frialdad grisácea y azul de su vida juntos, sus crisis y sus problemas.

Vemos que la cinta no pierde fuerza, es fresca, diferente y original. Las elipsis temporales son tan numerosas que a veces es difícil entender y situar las escenas desordenadas, por lo demás es una preciosa historia de cómo el ser humano puede llegar más allá del amor y de la vida a través del tiempo.

El jardín secreto

Ficha Técnica


Titulo original: The secret garden
Director: Agnieszka Holland
Producción: Francis Ford Coppola
Guión: Frances Hodgson Burnett/ Caroline Thompson
Reparto: Kate Maberly, Heydon Prowse, Andrew Knott, Maggie Smith, Laura Crossley, John Lynch, Walter Sparrow
Género: familiar/ drama
Música: Zbignniew Preisner
Nacionalidad: EEUU/Gran Bretaña



¿Naturaleza muerta?

El jardín secreto es una adaptación del clásico libro homónimo de Frances Hodgson Burnett. La dirección, a cargo de Agnieszka Holland y una producción de Francis Ford Coppola hacen de esta obra un conjunto de emociones que transportan al espectador a los rincones más profundos de la naturaleza.

En los años 40, la India sufre un fuerte terremoto que conduce a la muerte a numerosos habitantes. Algunos supervivientes pertenecientes a familias británicas vuelven a su país. Este es el caso de Mary Lenox, que emigra para vivir en una gran casa con su tío. Allí conocerá el valor de la naturaleza y de la amistad. 

Los personajes son un ejemplo de superación por los problemas que les rodean. Su unión es crucial para superar sus barreras ante la vida y esto se refleja en el florecimiento del jardín, que acompaña los estados de ánimo de los protagonistas.

Muy presente la magia en las imágenes, es una película ambientada con las impresionantes notas musicales de Zbigniew Preisner. 

Todo ello, junto con el color que resalta la naturaleza, contrastando con la tristeza de las vidas anteriores de los personajes, hacen del jardín el eje central de la película, el detonante que cambiará sus vidas para siempre.

El concierto

Ficha técnica

Título original: Le concert

Dirección: Radu Mihaileanu

Países: Francia, Italia, Rumanía, Bégica

Año: 2009

Duración: 119 min

Género: Comedia, musical

Reparto: Alexei Guskov (Andrei), Melanie Laurent, Dimitri Nazarov, Valeri Barinov, Miou-Miou, François Berléand (Olivier), Anna Kamenkova (Irina), Lionel Abelanski. Guión: Radu Mihaileanu; con la colaboración de Matthew Robbins y Alain-Michael Blanc; basado en un argumento de Héctor Cabello Reyes y Thierry Degrandi

Música: Armand Amar

Un viaje a la armonía

El ir al cine a veces lleva consigo el deseo de sentir emociones que van desde la tristeza hasta la comedia. Este es el caso de 'El concierto',una historia real dirigida por Radu Mihaileanu, en la que la música tendrá un papel central.

Ya cansados de estar expuestos a una música cada vez más repetitiva y estridente, llega una película llena de melodías tchaikovskianas, cuyo difícil reto es hacer vibrar a un público acostumbrado al sonido más vacío, más sordo y a la vez más extendido.

'El concierto' es una co-producción perteneciente a Francia, Italia, Rumanía y Bélgica, países que plasman sus influencias en el guión, como la crítica a la decadencia de la antigua Unión Soviética a través de un viaje que desemboca en la ciudad de la luz.

Echando la vista aproximadamente 30 años atrás, Andrei Filipov era considerado el prestigioso director de la Orquesta de Bolshoi. En plena cumbre de su éxito fue despedido al renunciar separarse de sus músicos judíos. Años después se le ocurre ir al Teatro de Châtelet de París con su antigua orquesta de forma clandestina y recuperar lo que habían perdido.

'El concierto' es volver al pasado, afrontarlo y superarlo, junto con numerosas tramas individuales, en las que los personajes responden a estereotipos y caricaturas bien resaltadas que llegan a convertir la trama en un auténtico circo.

En ciertos momentos se ven acciones forzadas que nos llevan a cuestionarnos la historia y que hacen entorpecer la dinámica de la acción principal. Con todo, a partir de la segunda mitad de la película, se torna a un estado de incertidumbre e intriga total.

Con un ritmo perfectamente medido, la trama avanza armoniosamente hacia un clímax melódico que atrapa al espectador dentro de un conjunto de notas y movimientos difíciles de conseguir.

Cada nota es una pieza, cada nota forma un todo en un viaje de equilibrios, sonidos, ambientación y sentimentalismo a través de los pentagramas de Tchaikovsky. Una historia tierna, simpática y divertida al compás de la perfección más deseada.

Por todo esto, ha sido galardonada con el premio César a la Mejor Banda Sonora y al Mejor Sonido, Tchaikovsky no merece menos.

Los mundos de Coraline

Ficha Técnica

Título: Los mundos de Coraline

Título original: Coraline

Dirección: Henry Selick

País: Estados Unidos

Año: 2009

Duración: 100 min.

Género: Familiar, Animación, Aventuras, Fantástico

Reparto: Dakota Fanning, Teri Hatcher, Jennifer Saunders, Dawn French, Keith David, John Hodgman, Robert Bailey Jr., Ian McShane, Aankha Neal, George Selick

Guión: Henry Selick

Miradas de plástico

La novela Coraline, de Neil Gaiman, ha sido llevada al cine de animación. Henry Selick, realizador de Pesadilla antes de Navidad, nos demuestra su experiencia una vez más dirigiendo la obra mediante la técnica del stopmotion y el 3D rodada en HD.

Coraline es un cuento infantil, un best seller frecuentemente comparado con la novela Alicia a través del espejo (Lewis Carroll), y es que la historia acontece en torno a una niña que vive en un mundo aburrido y gris y que sueña con cambiarlo...lo que nunca pudo imaginar es que ese mundo está detrás de una pequeña puertecita de su casa (al igual que pasa en Alicia, durante la escena del picaporte).

Tras este descubrimiento, Coraline se ve envuelta en una problemática de mundos paralelos, altamente diferenciados pero unidos por una muñeca de trapo. Su vida detrás de esa puerta es tan maravillosa que cuesta creer que sea real. Están todos: sus padres, sus vecinos, todo su entorno en perfecto equilibrio y puestos a su disposición.

Llama la atención que en ese mundo lleno de color la madre se lleva el día cocinando y posteriormente se convierte en el personaje malo. Se refleja un mundo conservador, con los roles familiares muy bien definidos y a la antigua, comparable con lo que siempre ha estado latente en las películas de Disney y que debería cambiar, pues en una película infantil donde se inculcan valores es muy importante poner de manifiesto el avance social hacia un mundo progresista.

Aclaraciones feministas aparte y volviendo a la cinta, el clímax se alcanza cuando Coraline tiene que elegir entre quedarse en ese mundo irreal para siempre o volver a su vida normal, pero a medida que avanza la historia se da cuenta de que todo es un engaño, que no existe esa perfección en la que los ojos de los personajes son sustituidos por botones (simbolismo que interpreto como ocultamiento frente a la sinceridad de miradas, como falta de humanidad de los personajes).

Quizás, teniendo en cuenta que va dirigida a un público infantil, utiliza una estética demasiado siniestra, pues roza el terror. Vemos aquí las huellas de Tim Burton aunque me atrevo a decir que supera ese deseo de lo oscuro.

La iluminación cálida en los momentos positivos hacen vaticinar lo que se avecina próximamente. Su fotografía y su apariencia es peculiarmente asombrosa con un cuidado en cada movimiento alucinante.

Es una de las mejores películas que he visto en años.

Bienvenidos a Zombieland

Ficha técnica

Título: Bienvenidos a Zombieland

Título original: Zombieland

Dirección: Ruben Fleischer

País: Estados Unidos

Año: 2009

Género: comedia, acción, terror

Duración: 88 minutos

Reparto: Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Emma Stone,

Abigail Breslin, Amber Heard, Bill Murray, Dereck Graf.

Chispa de humor… y de sangre

Ya desde hace algunas décadas hemos asistido al cine de terror y al subgénero de los zombies, bastante presente en nuestras pantallas. Es un género que ha atraído siempre a las masas, sobre todo a los adolescentes, amantes del terror y la violencia explícita, pero también del humor.

En los últimos años podemos apreciar un híbrido en los géneros cinematográficos, y un ejemplo de ello es Bienvenidos a Zombieland, una interesante mezcla entre violencia, terror, acción y comedia romántica, en el que los golpes humorísticos brillan por sí solos.

Se trata del primer largometraje de Ruben Fleischer, que ha logrado convertirlo en el más taquillero dentro del género de zombies, superando incluso a Shaun of Death. El cineasta ha rodado anteriormente algún que otro corto, dejando claro que su especialidad es la comedia.

La película, recientemente galardonada con el premio del público en el Festival de Sitges 2009 y con el premio Saturn 2010, gira en torno a Columbus (Jesse Eisenberg), que ha logrado sobrevivir a una plaga de zombies imperante en Estados Unidos. Desde el comienzo, el protagonista establece una serie de normas para no ser uno de ellos. Mientras camina a través de un paisaje desolado en búsqueda de sus padres, se encuentra con otros supervivientes que se convertirán en su familia.

Los nombres de los personajes corresponden a lugares, como Colombia, Wichita, Tallahassee o la excepción Little Rock. No pasa así con Bill Murray, interpretado por sí mismo en una de las mejores escenas de la película.

La historia no deja de ser la típica de chico conoce a chica, chico se enamora de chica, chica pasa de chico, chico se convierte en héroe. Aún así, es una película para pasar un buen rato y a pesar de sus escenas sangrientas, las risas están garantizadas.

En algunos momentos de violencia extrema, Fleischer nos hace recordar películas como Resident Evil o Planet Terror, también pertenecientes al género de terror, aunque sus influencias más importantes provienen de las películas Zombies Party y Shaun of Death, abandonando el humor inglés y optando por el americanismo más puro.

La interpretación y el maquillaje de cada uno de los extras, los movimientos de los zombies enfermos de sangre, los efectos especiales, la filmación en digital y los escenarios son de sobresaliente con una capacidad de humor negro que no he visto nunca en este tipo de filmes.

Estamos ante el prototipo de cine sangriento con efectos especiales abundantes y conseguidos. Las reglas de Columbus están insertadas en la historia mediante letras físicas que aportan una estética original.

Algunos pensarán que se trata de una americanada más, con su publicidad latente, como es el caso de los pastelitos “Twinkie”, muy famosos en Estados Unidos, y víctimas de la obsesión de uno de los personajes principales. Pero la imaginación del guión, la originalidad y la diversión que ofrece compensa. Espero la segunda parte.

Una educación...

Ficha técnica


Título: Una educación
Título original: An education
Dirección: Lone Scherfig
Guión: Nick Hornby
País: Reino Unido
Año: 2009
Duración: 95'
Género: Drama
Reparto: Carey Mulligan, Olivia Williams, Alfred Molina, Cara Seymour, William Melling


...para la vida

Una educación es el filme que ha revolucionado el cine inglés de los últimos años. Gracias a la directora danesa Lone Scherfig, amante del cine dogma, podemos visionar esta película llena de reflexiones y de encrucijadas de decisiones vitales.

Se trata de un filme independiente que ha alcanzado una meta muy alta con la nominación de Mejor película, guión y actriz en los premios Oscar. No sólo eso, también salió airosa de los premios BAFTA (premios de la Academia británica de cine y TV) y no es casualidad todos estos reconocimientos, la película lo merece.

La película, según Scherfig es el resultado de la fusión de la novela Jane Eyre, de Charlotte Brönte, las memorias de la periodista Lynn Barber y el guión de Nick Hornby.

Contextualizando: estamos en el Londres de principios de los 60, al comienzo de leves revoluciones culturales y juveniles, cuando Jenny va a experimentar un gran cambio en su vida, cuestionándose sus prioridades.

La ambientación, el ritmo anrrativo, la sorprendente interpretación de una debutante Carey Mulligan y del resto del reparto, todo en su conjunto contribuye al nacimiento de una obra entrañable y dulce, pero a la vez amarga y triste, que lleva al espectador a hacerse preguntas de lo más profundo de su persona.

Al final queda la moraleja, pero no hay que olvidar su magnífico inicio con esos gags cómicos o el cameo de Emma Thompson.

Algunos dirán que Scherfig no ha escatimado en edulcorantes, pero ese pegote de azúcar no empalaga la trama que hace partícipe al espectador de las problemáticas de la vida social de mitad del siglo anterior.

El inglés que subió una colina y bajó una montaña

Ficha técnica

Título: El inglés que subió una colina y bajó una montaña

Título original: The Englishman Who Went Up a Hill But Came Down a Mountain

Dirección/ Guión: Christopher Monger

Año: 1995

País: Reino Unido

Género: Comedia

Reparto: Hugh Grant, Tara Fitzgerald, Colm Meaney, Ian McNiece, Ian Hart, Kenneth Griffith

Si la montaña no va a Mahoma, Mahoma irá a la montaña

El director y guionista Christopher Monger, en su tercera película y abriéndose paso al cine, presenta una comedia que a juzgar por el título parece ser absurda, pero que ha conseguido una trama original y divertida.

Basada en hechos reales, es una historia que contó a Monger su propio abuelo. Es la historia de Mr Anson y el motivo de por qué todos le llamaban El inglés que subió una colina y bajó una montaña.

En 1917, con la Primera Guerra Mundial como telón de fondo y revueltas entre Gales e Inglaterra, dos cartógrafos llegan al pueblo de Fynnon Garw enviados por el gobierno inglés para elaborar el nuevo mapa del País de Gales. Los habitantes rinden culto a su pequeño pueblo, sobre todo a "la primera montaña de Gales", ignorando por completo que se trata de una colina.

Este motivo traumatiza de manera alarmante a los personajes, ya que su "montaña" es lo más preciado que tienen y por ello no dudan en retener a los cartógrafos para buscar una solución a este error de la naturaleza.

A pesar de ser una buena comedia con un guión fantástico, la realización decepciona un poco. El ritmo de la película no es del todo dinámico, al igual que generalmente suelen ser las cintas europeas (aunque caracterizadas por su gran profundidad narrativa), pero se compensa con los golpes humorísticos que hacen que el visionado, aunque se haga pesado, merezca la pena.

Cuenta en el reparto con un joven Hugh Grant, que protagoniza uno de sus primeros éxitos (tras Cuatro bodas y un funeral) antes de ganarse al público femenino con papeles del típico inglés romántico (Notting Hill, Tú la letra y yo la música). Interpreta a un personaje dulce, nervioso y un poco torpe, parecido al resto de los personajes de su filmología.

La banda sonora es una de las mejores que he escuchado, Stephen Endelman se supera en cada composición y en este caso sabe contextualizar la música con rasgos celtas propios de la música tradicional de Gales. Esta ambientación acompañada de la magnífica fotografía de Vernor Layton hacen de esta obra un regalo para los sentidos estéticamente hablando.

Es una película digna de conservar en cualquier hogar, puesto que va dirigida a cualquier tipo de público por su simplicidad en la trama pero sus ingeniosos toques de humor que divertirán a todos.